EXPOSITION COLLECTIVE VIRTUELLE 2020
Exposition virtuelle d'art contemporain à l'heure du coronavirus
À partir du 20 décembre 2020
Où : En ligne sur le site officiel www.sabrinafalzone.info et sur la page Facebook
Nous vivons une période historique particulière et très délicate, dans laquelle le Covid-19 a généré un tissu social d’incertitude et de fragilité. À cette époque, l’art absorbe aussi les tensions sociales et se transforme à travers la sensibilité des artistes contemporains. Afin que l’art ne disparaisse pas dans un moment aussi délicat mais qu’il soit plutôt un support valable pour toute l’humanité, la critique d’art Sabrina Falzone continue d’exposer et de promouvoir des artistes sélectionnés à l’échelle internationale dans le cadre de cette Exposition Virtuelle. Aujourd’hui plus que jamais, l’art prend un impact mondial en transmettant un message d’espoir et de positivité à la société.
En pleine période de Noël, avec l'espoir de rappeler au monde entier l'existence de la beauté et de la « lumière » dans l'obscurité des émotions et des relations que nous vivons, nous voulons rassurer que l'Art et la Créativité sont toujours là, plus forts et plus affirmés qu'avant, pour nous rappeler combien la Vie est belle. L'exposition virtuelle organisée par la critique d'art et historienne Sabrina Falzone et organisée par Falzone Arte Contemporanea avec le patronage institutionnel du Syndicat des travailleurs de la police d'État italienne (SIULP), aborde diverses questions liées à la période du coronavirus. Pour cette occasion, ont été choisis les artistes les plus singuliers et les plus influents de la scène créative, qui ont exploré ces thèmes avec acuité et sensibilité, une arme très puissante (sensibilité).
Le tableau qui scelle le passage entre ces deux dimensions existentielles différentes de L’ART AU TEMPS DU CORONAVIRUS (avant et après Covid-19) est « Transmigration », peint par Luisa Finicelli avec une sensibilité aiguë qui se manifeste principalement dans son chromatisme spirituel et dans la conception d’un voyage métaphorique.
Nous assistons ainsi à un changement d’époque dans la sphère des relations sociales qui conduit à remettre en question sa propre identité, comme nous le montre Andrea Sterpa dans la peinture sur toile en techniques mixtes intitulée « Not Identity ». Dans ce document, l'artiste dénonce une perte d'identité avec l'imposition massive du port de dispositifs de sécurité, qui d'un côté servent à nous protéger de la contagion, mais en fait, en couvrant une partie du visage, ils nous rendent encore plus uniformes, annulant notre personnalité.
Le sentiment de perte d’identité est étudié de manière significative par l’artiste FMT dans les œuvres « Virus », « Quarantaine », « Salomè » et « Solitude », dans lesquelles une série répétée de figures peuplent la scène picturale : il crée une division interne dans l’être humain.
Dans une période historique comme celle que nous vivons, l’identité est condamnée à subir une scission involontaire du moi, qui génère trouble, angoisse et tourment intérieur. Le registre chromatique particulièrement délicat des tableaux « Virus », « Salomè » et « Quarantaine » diffère sensiblement de l’encre mixte qui anticipe l’un des grands thèmes de la période du Coronavirus : « Solitude », une œuvre avec un accent chromatique plus intense et décisif dans la préférence pour un contraste visuel considérablement plus marqué.
Les quatre œuvres d'art créées par FMT mettent en évidence la crise de l'être humain dans une période historique extrêmement difficile à surmonter lorsqu'on est enfermé dans sa propre solitude et l'auteur la recrée de manière vibrante dans sa peinture avec de nombreuses idées innovantes et avec pour résultat de donner lumière à une mise en page picturale étonnamment harmonieuse.
FMT est certainement un artiste libre et sincère dans son expression picturale, sa communication apparaît immédiate et directe, s'adressant à tous sans exclusions avec son message de portée universelle.
La crise humaine qui secoue le monde entier et génère un climat de doute et d’anxiété est l’objet d’une investigation picturale de l’artiste français Gérard Beaugrard, qui aborde le thème de la solitude dans le tableau « Toute seule » et rappelle la leçon d’Egon Schiele et des expressionnistes viennois avec une réinterprétation chromatique plus vive et personnelle.
Dans l’ouvrage « Disparaître de Soi », Gérard Beaugrard ressent également le besoin de souligner le clivage intérieur de l’homme dans ce moment particulier du Covid-19. Il préfère surtout les personnages solitaires qui apparaissent avec des traits du visage extrêmement exaspérés et désespérés.
La leçon de Munch et la référence à son célèbre « Cri » sont présentes aussi bien dans « Disparaître de Soi » que dans « ça me désarticule » dans l'emblème de l'angoisse humaine. Ce sont toutes deux des œuvres d’intensité expressive, d’introspection psychologique et de manifestation d’un malaise intérieur dans la représentation de figures humaines choquées par l’irrationalité de leur angoisse, en contraste frappant avec le fond géométriquement disposé qui restitue la rationalité à l’ensemble. Les œuvres de Gérard Beaugrard sont donc très équilibrées.
Un chromatisme extraordinaire d’espoir est transmis par l’observation de la photographie numérique « Le temps du Coronavirus » réalisée par Miriam De Berardis, chercheuse infatigable de nouveaux horizons visuels, où les dimensions du temps et de l’espace semblent figées et submergées par l’énergie de la couleur.
Si nous parlons de couleur, nous ne pouvons pas manquer de mentionner le maître Gianfranco Gobbini qui, dans le tableau intitulé « Le biglie di Joseph-corona », part d’un fond sombre, reflet des temps sombres que nous vivons, jusqu’à peindre une véritable explosion de lumière dans l’œuvre d’art « Rivivere-rinascita ». Gianfranco Gobbini parvient magistralement à exprimer l’apothéose d’une renaissance post-Covid à travers l’accent luministe de la couleur, passant avec aisance d’une peinture symboliquement livide (observez « Le biglie di Joseph-corona », où le drame du rouge semble même vibrer sur la surface peinte) jusqu’à atteindre un triomphe de lumière et d’espoir.
Avec Aude Fourrier nous arrivons à la mosaïque intuitive ®, une technique très particulière entre tradition et modernité qui se manifeste clairement dans « Scintilla » et « Vibrazioni ». L'artiste français interprète la mosaïque comme l'art de la manipulation par excellence et la recomposition de la matière comme une allégorie de la Vie, mettant en évidence une projection et une extension d'elle-même dans l'investigation visuelle de l'âme. L'œuvre d'Aude Fourrier n'est rien d'autre qu'une pratique artistique intuitive singulière avec un fort accent ludique et une communication énergétique vibrante, née de l'union suggestive entre l'énergie de la matière, de la lumière et de la créativité, de la fusion de laquelle émerge une dimension de silence et de sérénité, plus nécessaire que jamais en ce moment historique. L'artiste français explore avec maestria et minutie les méandres de la spiritualité.
Un caractère de spontanéité est également présent dans le dessin « Guilty » réalisé par GLORIA, qui laisse libre cours à l’instinct avec une représentation précise et didactique du drame du Coronavirus. L’essentialité et l’immédiateté sont les éléments pertinents de la créativité de Gloria.
Ermanno Campalani nous rappelle la spontanéité de la relation dans l’œuvre numérique « Giù la maschera », qui suggère une absence de barrières dans les relations sociales entre les enfants, plus spontanées d’un côté et plus inconscientes de l’autre. Un enfant peut toujours nous apprendre beaucoup de choses : à ne pas s’isoler, par exemple. Ermanno Campalani nous restitue ainsi cette dimension de légèreté qui se perd irrémédiablement en cette période de Coronavirus.
Dans « Time Lapse », Rita Tripodi se concentre sur une double dimension avec originalité à travers l’utilisation de matériaux inhabituels, comme le fil métallique plastifié inséré dans le contexte d’une œuvre picturale réalisée avec une technique mixte à l’huile et à l’acrylique sur toile.
Dans ce scénario, émerge le grand thème de la SOLITUDE, que FMT et Beaugrard avaient déjà anticipé, et qui a été largement étudié par les artistes sélectionnés à l’échelle européenne à commencer par Miriam De Berardis qui dans sa photographie numérique « La solitude » en souligne franchement le drame.
Le drame de ce thème se transforme en une opportunité calme dans la recherche artistique de Franco Fasano. En détail, dans le tableau « Single », la vision positive de la solitude est symboliquement représentée par quelques objets ou éléments : quelques vêtements d'homme et un chat solitaire regardant par la fenêtre. L'éclat de l'huile domine dans les deux œuvres, mais donne une grande clarté à sa peinture notamment dans l'œuvre "Penelope 2020".
L'essentialité scénique souligne le « récit » à travers les images et même dans la peinture claire d'Alda Maria Bossi, en plus des couleurs vives de l'huile, on retrouve quelques éléments décisifs pour la représentation du thème dédié à la solitude. Une lampe allumée, un fauteuil solitaire, un coussin, un verre ou l’absence de figures dans l’art d’Alda Maria Bossi se transforment en un récit visuel, symbolisant une condition humaine difficile : la solitude. Dans ses œuvres, nous ne retrouverons jamais l'être humain, le grand absent, et pourtant il est là, nous le percevons, et Alda Maria Bossi parvient à nous restituer sa présence avec une telle sagesse exécutive, accompagnée d'une simplification figurative. C'est souvent dans la simplicité que l'on trouve le vrai, l'authentique. Il convient de souligner sans aucun doute la structure géométrique de la représentation, en harmonie avec le chromatisme joyeux, qui dans « Fenêtre aux rideaux verts » et dans « Tôt le matin, les maisons derrière le mur » se manifeste dans toute sa splendeur rationnelle. Entre géométries architecturales, couleurs vives (expressions de vie) et luminosité diffuse et calme, la recherche expressive d'Alda Maria Bossi célèbre la vie, le quotidien et la relation aiguë entre intérieurs et extérieurs : le drame de la quarantaine et du confinement forcé dans les murs domestiques perd ici ses connotations tragiques pour retrouver une dimension placide, presque imperturbable.
Dans le sillage d'un langage minimaliste, entre la créatrice Francesca Crocetti, qui dans « Post-Covid conversation #1 » et dans « Post-Covid conversation #2 » se concentre sur la réflexion sur les nouvelles méthodes de communication favorisées (sinon imposées) par la situation actuelle du Coronavirus. En fait, les contacts se réduisent à l’utilisation de Messenger et de Whatsapp, qui sont désormais largement utilisés par toutes les tranches d’âge.
Avec l'avènement du Coronavirus, des thèmes tels que la PEUR, la FRAGILITÉ et la DOULEUR. Les LARMES ET LES BLESSURES ont fait l’objet d’investigations de la part de certains artistes.
En examinant le dessin de Flora D’Angelo, intitulé « Amazone », le concept de division interne revient avec une clarté expressive alors que l’âme est mise à l’épreuve dans des situations de peur et de fragilité humaine. C'est comme si une fracture temporaire du moi se produisait et qu'une conscience et un sentiment de perte d'équilibre émergeaient, même si le dessin de Flora est très équilibré.
Un équilibre harmonieux ressort magnifiquement dans l’œuvre « Mare Nostrum » de Lucia Viganò, où les tons atténués s’apaisent sur la toile peinte à l’acrylique et sur laquelle émerge le concept de fragmentation de l’identité, fragments de vie et de destin à la merci de l’éther. La douleur déchire la réalité psychique de l’individu, le lacérant profondément.
Michele De Agostini interprète la virulence expressive de la douleur à travers l’abstraction des signes. Dans l’acrylique intitulée « Plaie ouverte », toute la charge énergétique de la souffrance humaine est confiée à l’emphase gestuelle du signe et à la férocité de la couleur. La couleur rouge cinglante accentue la cruauté de la vie et domine les autres nuances serviles comme un roi incontesté.
RÊVE, RÉALITÉ ET ANGOISSE se traduisent dans la solennité d’une splendide figure féminine dessinée avec précision par Rossella Mastalia au graphite sur carton « Rêve réalité ». Le visage de la femme tourné vers le haut fait allusion à une dimension « autre », parallèle, et nous rappelle que lorsque la réalité est pleine de soucis, il y a toujours une issue : le rêve.
Dans l’histoire de l’art, les femmes ont toujours été le véhicule de nouveaux langages pour représenter des concepts ou des thèmes d’une certaine pertinence. Dans l'exposition virtuelle HOMMES VIOLENTS. CONTRE LA VIOLENCE MASCULINE FAITE AUX FEMMES explore cette problématique sociale. La violence a toujours existé, mais pendant la période du Coronavirus, elle a augmenté et explosé de manière encore plus significative. Les cas de violence masculine ont augmenté et ces données nous obligent à réfléchir.
Dans le tableau à l’huile « Femmes d’Orissa commémorant le génocide de 2008 », réalisé par Fabiana Macaluso, on peut observer un groupe de femmes indiennes en mémoire de la plus grande violence antichrétienne qui se soit produite dans l’histoire de l’Inde, une violence qui a eu lieu il y a plus de dix ans, au cours de laquelle trop de femmes ont été victimes de viol, de harcèlement et d’humiliation. Fabiana Macaluso a réussi à ramener cette atrocité inacceptable sous le regard des femmes.
L'artiste turque Ipek Candas propose avec courage deux sculptures en verre fondu particulièrement efficaces sur le thème de la violence faite aux femmes. Dans la sculpture « Rêves d’une mère à la naissance de sa fille », elle dénonce que de nombreux actes de violence contre les femmes se produisent pendant la maternité, une phase particulière de la vie d’une femme presque rêveuse, qui l’expose avec une plus grande fragilité à la violence domestique, non seulement physique mais surtout émotionnelle. Dans la sculpture « Frustration de la mère lorsque son mari marie sa fille alors que l’école primaire de son village est fermée », Ipek Candas explore la frustration – et le profond chagrin – d’une mère lorsque son mari épouse sa fille, légitimant ainsi les abus dont elle est victime. Vous ne pouvez pas survivre à une telle douleur. Les rêves sont irrémédiablement tués par le patriarcat.
Le langage devient symbolique dans l’art de Luisa Finicelli, qui dans « Resilienza » adopte des motifs floraux tels que des coquelicots pour exprimer un concept plus large de contrainte et de privation de liberté féminine. Plutôt que d’adopter les tons dramatiques habituels, Luisa Finicelli exprime son désaccord avec la violence faite aux femmes dans une représentation sobre, ponctuée de contrastes de lumière audacieux.
Miriam De Berardis, au contraire, utilise des roses pour parler de la violence contre les femmes. Dans la photographie numérique « Les Roses et le Sang », cette volonté d’exprimer métaphoriquement d’une part la beauté féminine, d’autre part les « épines de la vie » lorsque les femmes deviennent la cible choisie par des hommes peu sûrs d’eux est claire. L’œuvre de De Berardis aborde ce thème délicat avec une élégance habile.
Un autre des grands thèmes étudiés par cette exposition virtuelle collective internationale est REBIRTH, dans lequel l'artiste Mauro Martin expérimente des modèles féminins sculpturaux et une utilisation presque solennelle de la lumière. Si vous observez l’œuvre intitulée « Le Cristal de la Mémoire », un jeu de lumières sinueux soutient et souligne le désir ainsi que le besoin d’une renaissance.Dans la théâtralité majestueuse du nu, Mauro Martin devient poète de l'image, faisant usage de son photoréalisme capable d'atteindre directement le cœur des gens. Il suffit d’observer l’extraordinaire triomphe de la lumière dans « Posa medicea » ou l’intention introspective raffinée de comprendre la production artistique sans précédent de Mauro Martin dotée d’un grand équilibre représentatif.
En parlant d’équilibre, en contrepoint à une telle emphase expressive, nous observons la sérénité séraphique des sculptures en papier mâché créées par Laura Minuti, des figures également solitaires mais expression d’une paix intérieure retrouvée après la tempête de la vie. La sculpture « Playful Balance » met en avant un sujet ludique et un chromatisme joyeux pour redonner le sourire à ceux qui l’ont perdu. Dans la sculpture « Costanza » et dans la picto-sculpture « Armonia », le regard féminin apparaît baissé dans une expressivité sereine et détendue : ce sont deux créations qui contiennent un message rassurant pour toute l’humanité, adouci par les motifs floraux de la picto-sculpture.Laura Minuti insuffle un message de positivité et l’espoir d’un retour à la paix intérieure, précisément une renaissance de l’esprit.
Dans la toile « Le Printemps Spirituel », signée Marcello La Neve, une renaissance de l’âme est indiquée après le voyage dans les ténèbres de l’humanité. L'auteur propose un scénario pictural centré sur une figure féminine éthérée ornée de motifs floraux langoureux, flottant dans l'atmosphère.
Intéressant est le concept de renaissance suggéré par Manuela Caruso dans son ouvrage « Les livres vous rendent libre », qui espère une renaissance intellectuelle à travers la lueur de la culture, source de la véritable liberté. Mais précisément dans ce moment historique, la culture a été au contraire ouvertement réduite au silence, avec les interdictions qui en découlent concernant la réalisation d'initiatives culturelles, de cinéma, de théâtre, d'art, comme s'il s'agissait de la « nuit de l'homme ».
La revue virtuelle examine le thème incontournable COULEURS ET BIEN-ÊTRE : l'art et la charge énergétique des couleurs peuvent devenir plus thérapeutiques que jamais en ce moment.
A noter par exemple la broderie au point de croix « Pastel Caleidoscope » réalisée par Antonella Argiroffo, aux nuances réconfortantes et harmonieuses, qui trouve dans les géométries de la couleur son propre canal expressif et sa recherche intellectuelle dans le domaine de l’art textile.
La couleur devient un véhicule de communication efficace avec l’artiste Alda Maria Bossi. En particulier, dans les œuvres intitulées « Trois maisons près du bois » et « Petit village le soir », on peut observer un chromatisme vigoureux, soutenu en même temps par une recherche formelle très évidente dans ces deux huiles plus géométriques. Les signes rigoureux de « Trois maisons près du bois » et « Petit village le soir » cèdent ensuite la place à la douceur du trait dans les tableaux « Deux pommes et la théière bleue », « Bonbons » et « Vaisselle à laver ». Dans cette dernière toile, nous sommes bouleversés et en même temps rassurés par la combinaison chromatique audacieuse, qui dénote non seulement un style très personnel mais surtout un grand courage. Alda Maria Bossi possède une telle maîtrise dans l’utilisation des couleurs à l’huile et dans le sens chromatique que nous sommes confrontés à des œuvres d’une grande profondeur.
C’est un honneur de pouvoir exposer virtuellement les œuvres de feu Christian Arnulf Hecher (1959-2009), un artiste autrichien historique au style dérangeant. Dans ses aquarelles, nous pouvons nous immerger dans les couleurs authentiques de la nature, en particulier dans « Gira Soli in Mea Testa », où la frénésie du trait marque le rythme de l’âme. Même dans l’aquarelle « Clocher roman », signée Christian Arnulf Hecher, les couleurs naturelles et rapides transmettent à la fois trouble et vivacité.
Dans la photographie numérique « Couleurs-Espoir-Créativité », Miriam De Berardis déclenche une explosion d’énergie psychique d’une puissance sans précédent à travers l’exubérance expressive de la couleur, qui devient le protagoniste incontesté de l’œuvre. La couleur est utilisée par Miriam De Berardis comme métaphore du sens de la vie.
En poursuivant ce voyage virtuel, nous arrivons à l'art numérique de Laura Lantero, qui nous fait découvrir un monde complètement nouveau du point de vue de la communication. Dans « Conversation », l’artiste explore avec une grande capacité de synthèse le thème des relations humaines, mises à l’épreuve par la période actuelle du Coronavirus. Dans l'œuvre numérique « Fleurs magiques », outre les motifs floraux, émerge un équilibre particulier entre les tons froids et chauds que Laura Lantero expérimente avec une grande intuitivité sur une gamme chromatique sélectionnée.
La peintre autrichienne Roswitha Schablauer surprend par son chromatisme abstrait, explorant l'éphémère. La couleur insuffle une sensation de bien-être à l’observation de ses toiles sans titre, volontairement laissée à la libre interprétation de l’utilisateur final de l’œuvre d’art.
Du Danemark nous vient un corpus de dix œuvres picturales, signées Tove Andresen, qui restaurent l'âme humaine de la souffrance terrestre avec leur chromatisme spirituel. L'artiste danois nous transporte dans une dimension de bien-être grâce à l'exaspération chromatique et à l'apothéose de la lumière qui caractérisent certaines de ses œuvres d'art comme, par exemple, « Magnolia 1 », « Magnolia 2 » et « Magnolia 3 », suivies de la magnifique scansion rythmique de sa peinture dans « Amarylis » et « Sunbeam ».
Andresen brise l'écran avec sa créativité et son exubérance chromatique, qui est cependant légèrement atténuée dans les peintures intitulées « Forest Adventure » et « Hot Chili » jusqu'à l'expressivité cathartique de « Adventure 2 ». Mais si vous regardez les toiles « Sunshine » ou « Alhambra », vous percevez une tentative émotionnelle d’un fort impact visuel même dans l’adoption d’un registre chromatique plus modéré.
Cette série d'éléments arboricoles célèbre une renaissance mais surtout la joie et l'avenir avec une immense confiance et non sans un sursaut d'optimisme. Merci Tove Andresen pour cette vision remplie d'une positivité extraordinaire, accessible à tous.
Sabrina Falzone, critique d'art et historienne